by Ava May 02,2025
Uno de los momentos más inolvidables en toda la serie Assassin's Creed se desarrolla cerca del comienzo de Assassin's Creed 3, cuando Haytham Kenway completa su misión de reunir a su equipo en el Nuevo Mundo. Inicialmente, los jugadores se hacen creer que estos son aliados en la causa de los asesinos. Haytham ejerce una cuchilla oculta, cuenta con el carisma del protagonista anterior Ezio Auditore, y hasta este momento, se ha retratado como un héroe al liberar a los nativos americanos del cautiverio y enfrentar los abrigos rojas británicos. Sin embargo, la revelación se produce cuando pronuncia la frase icónica, "que el padre de la comprensión nos guíe", dejando en claro que hemos estado siguiendo a los templarios, los enemigos jurados de los asesinos.
Este giro es un testimonio del potencial de la serie plenamente realizado. El juego original introdujo una premisa convincente (seguimiento, comprensión y asesino a sus objetivos), pero carecía de profundidad en su narrativa, con tanto el protagonista Altaïr como sus objetivos carecen de personalidades distintas. Assassin's Creed 2 mejoró con el más carismático Ezio, pero aún se quedó corto en desarrollar sus villanos, como Cesare Borgia en Assassin's Creed: Brotherhood. No fue hasta Assassin's Creed 3, establecido en medio de la Revolución Americana, que Ubisoft realmente invirtió en Flehing Out tanto a los cazadores como a los cazados. Este esfuerzo creó un flujo narrativo perfecto de la configuración a la recompensa, logrando un equilibrio entre el juego y la narración de historias que aún no se ha igualado en los títulos posteriores.
Si bien la actual era de RPG de Assassin's Creed ha sido generalmente bien recibida, existe un consenso entre los fanáticos, los críticos y las discusiones en línea de que la serie está experimentando una disminución. Las razones de esto se debaten, y algunos lo atribuyen a elementos cada vez más fantásticos como batallas contra figuras mitológicas como Anubis y Fenrir. Otros critican la inclusión de diversas opciones románticas o, en el caso de Assassin's Creed Shadows, el uso de figuras históricas como el Samurai Yasuke africano como protagonistas. Sin embargo, creo que la verdadera causa de esta disminución radica en el cambio de la serie de la narración de cuentos impulsada por los personajes, que se ha visto eclipsada por los elementos expansivos de Sandbox.
Con el tiempo, Assassin's Creed ha ampliado su fórmula original de acción-aventura con RPG y elementos de servicio en vivo, incluidos árboles de diálogo, sistemas de nivelación basados en XP, cajas de botín, microtransacciones y personalización de engranajes. Sin embargo, a medida que los juegos se han vuelto más grandes, también han comenzado a sentirse más huecos. Esto es evidente no solo en misiones secundarias repetitivas sino también en la narración en sí. Mientras que un juego como Assassin's Creed Odyssey ofrece más contenido que Assassin's Creed 2, gran parte de él puede sentirse con guión y subdesarrollado. La adición de la elección del jugador en el diálogo y las acciones debería mejorar teóricamente la inmersión, pero en la práctica, a menudo diluye la narración. Las historias estrechamente escritas de los juegos anteriores de acción-aventura permitieron personajes bien definidos, a diferencia de los juegos más nuevos en los que la personalidad del protagonista puede cambiar según los caprichos del jugador.
Como resultado, mientras que Assassin's Creed Odyssey contiene técnicamente más contenido que Assassin's Creed 2, gran parte de esto se siente menos impactante e inmersivo. Este es un marcado contraste con la riqueza narrativa de la era Xbox 360/PS3, que creo que entregó algunas de las mejores escritos en los videojuegos. Los momentos memorables incluyen el apasionado discurso de Ezio después de derrotar a Savonarola, y el conmovedor soliloquio de Haytham Kenway a su muerte a manos de su hijo, Connor:
"No piense que tengo ninguna intención de acariciar la mejilla y decir que estaba equivocado. No lloraré y me preguntaré qué podría haber sido. Estoy seguro de que lo entiendes. Aún así, estoy orgulloso de ti de alguna manera. Has mostrado una gran convicción. Fuerza. Coraje. Todas las cualidades nobles. Debería haberte matado hace mucho tiempo".
La calidad narrativa también ha disminuido de otras maneras. Los juegos modernos tienden a simplificar el conflicto a una batalla clara entre el bien (asesinos) y el mal (templarios), mientras que las entradas anteriores profundizaron en la ambigüedad moral entre las dos facciones. En Assassin's Creed 3, las palabras finales finales de cada templario desafían a Connor's, y por extensión, las creencias del jugador. William Johnson sugiere que los templarios podrían haber evitado el genocidio de los nativos americanos, Thomas Hickey descarta la misión de los asesinos como poco realista, y la Iglesia de Benjamin argumenta que la perspectiva define el conflicto, con los británicos que se ven a sí mismos como víctimas. Haytham incluso socava la confianza de Connor en George Washington, presagiando el despotismo de la nueva nación y revelando que Washington, no Charles Lee, ordenó la quema de la aldea de Connor. Al final del juego, los jugadores tienen más preguntas que respuestas, lo que hace que la historia sea más convincente.
Reflexionando sobre la historia de la serie, está claro por qué "la familia de Ezio" de la banda sonora de Assassin's Creed 2 se convirtió en el tema de la franquicia. Los Juegos de PS3, especialmente Assassin's Creed 2 y Assassin's Creed 3, fueron fundamentalmente impulsados por las narrativas de los personajes. Las melancólicas cuerdas de guitarra de "Ezio's Family" resonaron no solo con el entorno del Renacimiento sino con la pérdida personal de Ezio. Si bien aprecio los mundos expansivos y los gráficos avanzados de los actuales juegos de Assassin's Creed, espero que la serie regrese a sus raíces con historias más centradas y basadas en personajes. Sin embargo, en el mercado actual, dominado por vastas cajas de arena y juegos con ambiciones de servicio en vivo, tal rendimiento podría no alinearse con "buenos negocios".
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The recent surge of fan art depicting a dragon-like Pokémon resembling Ho-Oh has sparked debate across social media and fan communities, with some fans accusing the artist of plagiarism, while others argue it's a legitimate homage or creative reinterpretation. At the center of the controversy is a piece that features a majestic, fiery bird with vibrant plumage, large wings, and an ethereal glow—visual elements strongly reminiscent of Ho-Oh, the legendary Pokémon from the Pokémon franchise known for its radiant red and gold feathers, phoenix-like design, and association with fire and rebirth. Critics point out that the artwork shares too many distinctive features with official Ho-Oh designs—especially the wing patterns, eye shape, and overall silhouette—to be considered anything but a direct copy. They argue that even though it’s fan art, using such a close imitation of a copyrighted character could cross the line into plagiarism, particularly if it's being shared for attention, profit, or to pass off as original. On the other hand, defenders of the artwork emphasize that fan art often draws inspiration from beloved characters and that artistic influence is a natural part of creative expression. They note that the piece includes unique elements—such as different color gradients, a more surreal background, and a stylized pose—that set it apart from official depictions. Some argue that the artist is paying tribute to Ho-Oh’s iconic status, not attempting to deceive. Legal experts clarify that while fan art is generally tolerated under fair use in non-commercial contexts, the line blurs when the work is nearly indistinguishable from the original and used to generate attention or revenue. However, in most cases, copyright holders like Nintendo and The Pokémon Company have historically focused on commercial infringement rather than artistic homage. Ultimately, whether this artwork constitutes plagiarism depends on intent and execution. While it clearly channels Ho-Oh’s essence, the presence of personal stylistic choices may indicate artistic interpretation rather than copying. The broader takeaway? Fan art can be a powerful form of celebration—but creators should consider how close their work comes to the original, especially when iconic characters are involved. Respecting the source while adding personal flair often strikes the best balance between homage and originality.
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